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“并不是在刻意做出‘热的东西’，而是它会自然‘溢出来’”（出戸）
——看OGRE的现场时，“在无机质之中存在人类的热量”这一点确实很容易被感受到。出戸自己会觉得，这种热量是有意设计的，还是更多是自然产生的？比例大概是怎样的？
出戸：结果上来说是后者。并不是想去做“很热的东西”，但它会自然“溢出来”的感觉。
カネコ：这种“溢出来”的感觉很好呢。可能我们这边是已经从自己身上直接溢出来了（笑）。
——近年的OGRE会使用模拟合成器，一边播放sequence，但不跟click走，而是通过一起演奏产生的细微偏差来获得一种“舒服的错位感”。这点和刚才说的也有共通之处。
出戸：开始用合成器其实是因为疫情期间没办法排练。但当你叠很多sequence的时候，乐队本身就会“死掉”。所以我们就不断删减，“这个不要，这个也不要”，最后变成比如《家の外》或者现场那种，只剩一个“bubububu”的单音。但越是这样反而越帅。如果叠太多同步轨道，最后就变成只能去跟着它演奏了。但只剩一个单音的话，就算差一拍也无所谓，节奏可以自由伸缩。这个也是在排练过程中慢慢意识到的。
——正是这种状态，才在某种意义上形成了“无机质感”和从中溢出的人味。
出戸：从这个意义上来说，我们可能也有在“刻意让它溢出来”。但如果叠加太多同步音轨的话，反而就不会有那种“溢出的空间”了。所以我们一边想让它溢出来，一边其实也在努力不让它太失控（笑）。
——カネコ的乐队，也很难想象是“听着同步轨去演奏”的那种方式吧。
カネコ：确实不会那样做。当然我不是在否定那种做法，但如果是那种方式的话，会越来越偏离我真正想做的东西，会有一种隐约的危险感。
出戸：我觉得你们弹唱里的那种时间感的伸缩特别厉害，而且能在乐队里还原出来这一点也很厉害。这本身就是乐队最有意思的地方。
カネコ：是的，我也这么觉得。节奏感这种东西，在乐队里也完全可以是“当下这个速度就好”。在一首歌里面有伸缩变化，我觉得那才是人去演奏的意义，也是现场演出的意义。
——当然，用同步音轨的现场也有它的酷，但最近在采访很多音乐人时，会越来越常听到“现在不再用同步了”“不再听click了”这种说法。可能也是因为疫情之后用DTM创作的人变多了，一度在现场使用click的人也增加了，但最近感觉又出现了一种重新审视这件事的流动。
カネコ：可能也和SNS、AI的普及有关吧……也说不好（笑）
——在去年的““DELAY””对谈里，出戸也和小山田聊到过AI的话题吧。
出戸：小山田是属于看使用方式的人，他整体还是比较肯定AI的。
カネコ：是这样啊。
——那出戸之后呢？
出戸：我完全没用（笑）。
カネコ：不过我感觉，现在“很厉害的人”变多了很多。SNS和AI普及之后，有很多基础教材一样的东西已经直接摆在那里了。比如在唱歌方面，像VOCALOID那种极高音、高难度的东西也能实现，于是“靠人力完成那些不可能的事情”反而变成了一种主流的厉害方式。但当“上手”的标准越来越往那个方向集中时，有时候会觉得有点不舒服。我还是更喜欢那种带有杂质、节奏会伸缩的音乐。正因为是乐队、是人去演奏，才会让人被打动、被触碰到内心。我还是想相信这一点。
出戸：那种不舒服的感觉，其实就是“答案被统一了”的感觉吧。像click、像音准正确，好像大家都在朝着同一个唯一正确答案去训练。但音乐本来不应该是这样的，它不是一个统一标准的竞争，而是“那个人也有意思，那个人也有意思”的世界。
カネコ：对啊，我也觉得。那种“虽然搞不太懂但就是拼命在做”的状态其实很好笑、也很有魅力。但现在更容易被评价的是“看起来很轻松就能做到很厉害”的那种状态，好像答案已经被固定了，这点让我有点害怕。
